Curriculum Dance Foundations Grade 11

Dance Foundations
Grade 11
Big Ideas: 
Dance offers unique aesthetic experiences that explore our identity and sense of belonging and have the ability to effect change.
Dance is informed by the history, culture, and community in which it exists.
Growth as a dancer and choreographer requires perseverance, resilience, and risk taking.
Artistic ability in dance is fully realized through a holistic relationship between body and mind.
Purposeful artistic choices by the dancer and choreographer enhance the aesthetic experience.
Big Ideas Elaborations: 
  • aesthetic experiences: emotional, cognitive, or sensory responses to works of art
  • Artistic ability in dance: requires dance literacy, which is the ability to read, write, notate, or otherwise communicate using dance language, vocabulary, and/or symbols
Curricular Competencies: 
Explore and create
  • Explore, create, and perform movement motifs, phrases, and dance compositions in large-group, small-group, and solo contexts
  • Demonstrate kinesthetic awareness of dance elements and techniques in a variety of genres or styles
  • Develop and refine an articulate and expressive body
  • Express meaning, intent, and emotion in response to a variety of stimuli
  • Experiment with dance elements, principles, and techniques to create innovative movement phrases
  • Apply choreographic devices to expand technical and expressive possibilities
  • Select and combine dance elements to intentionally convey a particular mood, meaning, or purpose
  • Use choreographic forms and structures to clarify intent or meaning in dance compositions
  • Demonstrate innovation by improvising and taking creative risks
  • Consider audience and venue when composing, rehearsing, and performing
Reason and reflect
  • Describe and interpret dance techniques and works using the language of dance
  • Reflect on rehearsal and performance experiences
  • Give, receive, and apply constructive feedback
  • Demonstrate respect for self, others, audience, and place
  • Demonstrate leadership skills in co-operative and collaborative contexts
Communicate and document
  • Document and respond critically to dance experiences, compositions, and performances
  • Perform exercises, steps, combinations, and dance works
  • Use dance to respond to local, regional, and national issues
  • Express cultural identity, perspectives, and values through individual and group movement compositions
Connect and expand
  • Demonstrate personal and social responsibility associated with creating, performing, and responding to dance, including movement, music, thematic, and costume choices
  • Explore educational, personal, and professional opportunities in dance or related fields
  • Explore First Peoples perspectives and knowledge, other ways of knowing, and local cultural knowledge to gain understanding through movement and dance
  • Consider personal safety, injury prevention, and physical health when planning, rehearsing, and performing choreography
Curricular Competencies Elaborations: 
  • kinesthetic awareness: the body’s ability to coordinate motion and its awareness of where it is in time and space
  • movement phrases: sequences of movement ordered to convey specific meaning or intent
  • creative risks: making an informed choice to do something where unexpected outcomes are acceptable and serve as learning opportunities
  • language of dance: vocabulary, terminology, symbols, and non-verbal methods of communication that convey expression or meaning in dance
  • place: any environment, locality, or context with which people interact to learn, create memory, reflect on history, connect with culture, and establish identity. The connection between people and place is foundational to First Peoples perspectives on the world.
  • Document: involves activities that help students reflect on and demonstrate their learning (e.g., writing an essay or article, journaling, taking pictures, storyboarding, making video clips or audio-recordings, constructing new works, compiling a portfolio)
  • respond: involves activities ranging from reflection to action
  • ways of knowing: First Nations, Métis, Inuit, gender-related, subject/discipline-specific, cultural, embodied, intuitive
Concepts and Content: 
  • elements of dance
  • skills specific to a technique, genre, or style
  • anatomically and developmentally sound movement principles
  • rehearsal and performance skills
  • choreographic forms and structures
  • choreographic devices
  • dance notation and vocabulary
  • dance forms
  • contributions of key dance innovators from a variety of genres
  • local, national, and intercultural performers and genres
  • traditional and contemporary First Peoples worldviews and cross-cultural perspectives communicated through movement and dance
  • ethics of cultural appropriation and plagiarism
  • safety protocols
Concepts and Content Elaborations: 
  • elements of dance: body, space, time, dynamics, relationships:
    • body: the primary instrument of expression in dance; what the body is doing (e.g., whole- or partial-body action; types of movement, such as locomotor and non-locomotor)
    • space: where the body is moving (e.g., place, level, direction, pathway, size/reach, shape)
    • time: how the body moves in relation to time (e.g., beat/underlying pulse, tempo, rhythmic patterns)
    • dynamics: how energy is expended and directed through the body in relation to time (quick/sustained), weight (strong/light), space (direct/indirect), and flow (free/bounded)
    • relationships: with whom or what the body is moving; movement happens in a variety of relationships (e.g., pairs, groups, objects, environments)
  • technique:
    • examples in modern dance: suspend, fall, breath, weight, oppositional pull, swing, contraction, spiral
    • examples in hip hop: grooving, isolations, rhythm, foot patterns, body rolls, freestyle
    • examples in ballet: positions of the feet and arms, turnout of the legs, barre and centre work, including plié, tendu, fondu, rond de jambe
  • genre, or style: for example, classical, contemporary, culturally specific
  • movement principles: including but not limited to mobility, stability, alignment, weight transfer, flexibility, strength, balance, coordination
  • rehearsal and performance skills: the technical, expressive, and cognitive skills necessary for learning, refining, and performing movement:
    • Technical skill is the ability to reproduce movement accurately in relation to movement principles, elements of dance, and style.
    • Expressive skills include but are not limited to projection, focus, confidence, musicality, spatial awareness, facial expression, sensitivity to other dancers, dynamics, and embodiment of the elements of dance to communicate the style or choreographic intent.
    • Cognitive skills include but are not limited to preparedness, commitment, concentration, trust, co-operation, collaboration, application of feedback, willingness to explore, capacity to improve, movement acquisition, and memory.
  • choreographic forms and structures: the shape or structure of a dance; the orderly arrangement of thematic material (e.g., AB, ABA, rondo, canon, theme and variation, call and response, narrative)
  • choreographic devices: methods applied to change or develop movement (e.g., level, dynamics, retrograde, repetition, body part)
  • dance notation: the formal and informal written systems of symbols, shapes, and lines that represent body position and movement
  • dance forms: structures associated with specific genres, including but not limited to ballet, jazz, and social dance
  • cultural appropriation: use of a cultural motif, theme, “voice,” image, knowledge, story, song, or drama, shared without permission or without appropriate context or in a way that may misrepresent the real experience of the people from whose culture it is drawn
  • safety protocols: procedure to prevent harm or injury to self and others, including, for example, environment, biomechanics, clothing, and footwear
Update and Regenerate Nodes
Big Ideas FR: 
La danse offre des expériences esthétiques exceptionnelles qui explorent l’identité et le sentiment d’appartenance et qui ont le pouvoir d’entraîner un changement.
La danse est nourrie par l’histoire, la culture et la communauté dans laquelle elle existe.
Évoluer en tant que danseur et chorégraphe demande de la persévérance, de l’endurance et de la prise de risques.
Les compétences artistiques en danse se réalisent pleinement lorsqu’il existe une relation holistique entre le corps et l’esprit.
Les choix artistiques réfléchis du danseur et du chorégraphe rehaussent l’expérience esthétique.
Big Ideas Elaborations FR: 
  • expériences esthétiques : réactions sensorielles, cognitives ou émotionnelles aux œuvres d’art
  • compétences artistiques en danse : nécessitent une certaine connaissance technique de la danse, soit la capacité de lire, d’écrire, de noter ou de communiquer de quelque autre manière en se servant des symboles ou du vocabulaire de la danse
Explorer et créer
  • Explorer, créer et exécuter des motifs de mouvements, des enchaînements et des compositions chorégraphiques en grand groupe, en petit groupe ou en solo
  • Faire preuve d’une conscience kinesthésique des techniques et des éléments de la danse dans divers genres et styles
  • Entraîner son corps pour le rendre souple et expressif
  • Exprimer du sens, des intentions et des émotions en réaction à divers stimuli
  • Expérimenter des éléments, des principes et des techniques de la danse pour créer des enchaînements de mouvements innovateurs
  • Se servir de procédés chorégraphiques pour élargir les possibilités techniques et expressives
  • Choisir et combiner les éléments de la danse pour créer intentionnellement une ambiance, véhiculer un sens ou atteindre un but
  • Se servir de formes et structures chorégraphiques pour clarifier l’intention ou le sens dans les compositions chorégraphiques
  • Innover en improvisant et en prenant des risques créatifs
  • Prendre en considération le public et le lieu de spectacle pendant les étapes de composition chorégraphique, de répétition et de représentation
Raisonner et réfléchir
  • Décrire et interpréter des techniques et des œuvres chorégraphiques en se servant du vocabulaire propre à la danse
  • Réfléchir sur ses expériences de répétitions et de spectacles
  • Formuler, accepter et mettre en pratique des commentaires constructifs
  • Faire preuve de respect pour soi-même, les autres, le public et le lieu
  • Faire preuve de compétences en leadership dans des contextes de coopération et de collaboration
Communiquer et documenter
  • Documenter les expériences en danse, les chorégraphies et les spectacles, et y réagir de manière critique
  • Exécuter des exercices, des pas et des enchaînements et interpréter des œuvres chorégraphiques
  • Se servir de la danse pour réagir à des enjeux locaux, régionaux et nationaux
  • Exprimer son identité culturelle, ses perspectives et ses valeurs au moyen des chorégraphies interprétées individuellement ou en groupe
Faire des liens et développer
  • Faire preuve de la responsabilité individuelle et sociale associée à la création et à l’interprétation d’œuvres chorégraphiques ainsi qu’à la réaction aux œuvres, y compris en ce qui concerne le mouvement, la musique, la thématique et le choix des costumes
  • Explorer les perspectives éducatives, personnelles et professionnelles de la danse et des domaines connexes
  • Explorer les perspectives et les connaissances des peuples autochtones, les autres méthodes d’acquisition du savoir et les connaissances sur la culture locale pour améliorer la compréhension à l’aide du mouvement et de la danse
  • Prendre en considération la sécurité personnelle, la prévention des blessures et la santé physique durant les étapes de planification, de répétition et de représentation
Curricular Competencies Elaborations FR: 
  • conscience kinesthésique : capacité du corps de coordonner le mouvement et d’avoir conscience de sa position dans l’espace et dans le temps
  • enchaînements de mouvements : séquences de mouvements ordonnés de manière à transmettre un sens ou une intention en particulier
  • risques créatifs : consistent à faire un choix éclairé pour accomplir quelque chose dans un contexte où des résultats inattendus sont acceptables et offrent des occasions d’apprentissage
  • vocabulaire propre à la danse : vocabulaire, terminologie, symboles et méthodes de communication non verbales porteurs de sens et d’expression en danse
  • lieu : tout environnement, localité ou contexte dans lequel les gens interagissent pour apprendre, se créer une mémoire collective, réfléchir sur l’histoire, vivre la culture et établir une identité; les liens existants entre les gens et les lieux constituent la base des perspectives autochtones sur le monde
  • Documenter : réaliser des activités qui aident les élèves à réfléchir sur leurs apprentissages et à les démontrer (p. ex. rédiger une dissertation ou un article, tenir un journal, prendre des photos, élaborer un scénarimage, réaliser des clips vidéo ou des enregistrements sonores, réaliser de nouvelles œuvres, constituer un portfolio)
  • réagir : réaliser des activités allant de la réflexion à l’action
  • méthodes d’acquisition du savoir : méthodes propres aux Premières Nations, aux Métis et aux Inuits, qui varient selon le sexe, sont spécifiques au sujet ou à la discipline et sont culturelles, intégrées et intuitives
  • Éléments de la danse
  • Compétences propres à une technique, ou à un genre ou style
  • Principes de mouvement adaptés sur le plan de l’anatomie et du développement
  • Compétences associées à la répétition et au spectacle
  • Formes et structures chorégraphiques
  • Procédés chorégraphiques
  • Vocabulaire et notation de la danse
  • Formes de danse
  • Apport d’importants artistes de la danse innovateurs associés à divers genres
  • Interprètes et genres locaux, nationaux et interculturels
  • Visions du monde traditionnelles et contemporaines des peuples autochtones et perspectives interculturelles véhiculées par le mouvement et la danse
  • Considérations éthiques concernant l’appropriation culturelle et le plagiat
  • Protocoles de sécurité
content elaborations fr: 
  • Éléments de la danse : corps, espace, temps, dynamique, relations :
    • corps : principal moyen d’expression en danse; ce que fait le corps (p. ex. mouvement d’une partie du corps ou de tout le corps; types de mouvement, comme les actions locomotrices et non locomotrices)
    • espace : celui dans lequel se déplace le corps (p. ex. lieu, niveau, direction, trajectoire, dimensions et portée, forme)
    • temps : manière dont se déplace le corps en fonction du temps (p. ex. temps de la musique ou pulsation, tempo, motifs rythmiques)
    • dynamique : manière dont l’énergie est dépensée et canalisée dans le corps en fonction du temps (rapide ou soutenu), du poids (fort ou léger), de l’espace (direct ou indirect) et du flot (libre ou retenu)
    • relations : avec qui ou quoi se déplace le corps; le mouvement peut impliquer diverses relations (entre deux personnes, au sein d’un groupe, avec des objets, avec des environnements)
  • technique :
    • exemples en danse moderne : suspension, chute, respiration, poids, étirement en opposition, élan, contraction, spirale
    • exemples en hip-hop : « grooving », isolations, rythme, jeu de pieds, roulements du corps, style libre (« freestyle »)
    • exemples en ballet : positions des pieds et des bras, en-dehors, travail à la barre et au centre (pliés, tendus, fondus, ronds de jambe)
  • genre ou style : par exemple classique, contemporain ou issu d’une culture en particulier
  • Principes de mouvement : notamment la mobilité, la stabilité, l’alignement, le transfert du poids, la souplesse, la force, l’équilibre et la coordination
  • Compétences associées à la répétition et au spectacle : compétences techniques et cognitives et capacités expressives nécessaires à l’apprentissage, au perfectionnement et à l’exécution du mouvement :
    • les compétences techniques se manifestent dans la capacité de reproduire un mouvement de façon exacte sur le plan des principes de mouvement, des éléments de la danse et du style
    • les capacités expressives comprennent notamment la projection, la concentration, la confiance, la musicalité, la conscience spatiale, l’expression du visage, la sensibilité aux autres danseurs, la dynamique et l’incarnation des éléments de la danse visant à véhiculer le style ou l’intention chorégraphique
    • les compétences cognitives comprennent entre autres l’état de préparation, l’engagement, la concentration, la confiance, la coopération, la collaboration, l’application des commentaires constructifs, la volonté de découvrir, la capacité de s’améliorer, l’acquisition de mouvements et la mémoire
  • Formes et structures chorégraphiques : forme ou structure d’une chorégraphie; arrangement ordonné du contenu thématique (p. ex. forme AB, ABA, rondo, canon, thème et variations, appel et réponse, forme narrative)
  • Procédés chorégraphiques : méthodes employées pour transformer ou développer le mouvement (p. ex. exploitation des niveaux, de la dynamique, du mouvement rétrograde, de la répétition, des mouvements de parties du corps)
  • notation de la danse : systèmes d’écriture formels et informels – composés de symboles, de formes et de lignes – qui représentent les positions du corps et les mouvements
  • Formes de danse : structures associées à des genres particuliers, dont le ballet, le jazz et la danse sociale
  • appropriation culturelle : utilisation de motifs, de thèmes, de voix, d’images, de connaissances, de récits, de chansons, d’œuvres dramatiques ou d’autres manifestations de nature culturelle sans autorisation, dans un contexte inapproprié ou dénaturant l’expérience vécue par les personnes appartenant à la culture d’origine
  • Protocoles de sécurité : précautions servant à prévenir les blessures chez soi et chez les autres, notamment en ce qui concerne l’environnement, l’ergonomie, les vêtements et les chaussures
PDF Only: 
Curriculum Status: 
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