Curriculum Musique instrumentale Grade 10

Instrumental Music
Grade 10
Big Ideas: 
Individual and collective expression is rooted in history, culture, and community. 
Growth as a musician requires perseverance, resilience, and reflection. 
Music is a process that relies on the interplay of the senses.
Aesthetic experiences have the power to transform the way we think and feel.
Music offers unique ways of exploring our identity and sense of belonging.
Big Ideas Elaborations: 
  • aesthetic experiences: emotional, cognitive, or sensory responses to works of art 
Curricular Competencies: 
Explore and create
  • Perform in large ensemble, small ensemble, and solo contexts
  • Express meaning, intent, and emotion through music
  • Improvise and take creative risks in music
  • Study and perform a variety of musical styles and genres
  • Explore a variety of contexts and their influences on musical works, including place and time
  • Develop and refine technical skills and expressive qualities
  • Explore music that reflects personal voice, story, and values
Reason and reflect
  • Describe and analyze musicians’ use of technique, technology, and environment in musical composition and performance, using musical language
  • Reflect on rehearsal and performance experiences and musical growth
  • Consider the function of their voice within the ensemble
  • Analyze styles of music to inform musical decisions
Communicate and document
  • Document and share musical works and experiences in a variety of contexts
  • Receive and apply constructive feedback
  • Use discipline-specific language to communicate ideas
  • Contribute personal voice, cultural identity, and perspective in solo or ensemble musical study and performance
  • Demonstrate respect for self, others, and the audience
  • Use music to communicate and respond to social and global issues
Connect and expand
  • Demonstrate personal and social responsibility associated with creating, performing, and responding to music
  • Make connections with others on a local, regional, and global scale through music
  • Use technical knowledge and contextual observation to make musical decisions
  • Demonstrate safe care, use, and maintenance of instruments and equipment
  • Practise appropriate self-care to prevent performance-related injury
Curricular Competencies Elaborations: 
  • large ensemble: ensemble in which many musicians perform the same part (e.g., concert band, concert choir, jazz band, string or symphony orchestra, guitar ensemble)
  • small ensemble: ensemble in which musicians play alone or with only a few others, performing a particular part (e.g., rock band or similar contemporary genre, jazz combo, brass quintet, string quartet, chamber choir, vocal jazz ensemble)
  • improvise: spontaneously compose or embellish musical phrases, melodies, or excerpts; improvisation provides a means for high-level reasoning, creative thinking, and problem solving in a variety of ways
  • creative risks: make an informed choice to do something where unexpected outcomes are acceptable and serve as learning opportunities
  • variety of contexts: for example, personal, social, cultural, environmental, and historical contexts
  • place: any environment, locality, or context with which people interact to learn, create memory, reflect on history, connect with culture, and establish identity. The connection between people and place is foundational to First Peoples perspectives on the world.
  • musical language: vocabulary, terminology, and non-verbal methods of communication that convey meaning in music
  • document: through activities that help students reflect on their learning (e.g., drawing, painting, journaling, taking pictures, making video clips or audio-recordings, constructing new works, compiling a portfolio)
  • personal voice: a style of expression that conveys an individual's personality, perspective, or worldview
  • respond: through activities ranging from reflection to action
  • maintenance: the appropriate inspection, diagnosis, and basic repair of instruments and equipment
  • performance-related injury: for example, repetitive stress injuries, vocal strain, other damage to oral and aural health
Concepts and Content: 
  • elements, principles, vocabulary, symbols, and theory of music
  • techniques specific to individual or families of instruments, including:
    • winds
    • percussion
    • keyboard
    • orchestral strings
    • guitar

      Note: Students are only expected to know techniques related to their instrument(s) of choice.
  • technical skills, strategies, and technologies 
  • creative processes
  • movement, sound, image, and form
  • role of the performer, audience, and venue
  • traditional and contemporary First Peoples worldviews and cross-cultural perspectives, as communicated through music
  • history of a variety of musical genres
  • ethics of cultural appropriation and plagiarism
Concepts and Content Elaborations: 
  • elements, principles, vocabulary, symbols, and theory of music: metre, duration, rhythm, dynamics, harmony, timbre, tonality, instrumentation, notation, pitch, texture, register, terms in Italian and other languages, expressive markings, abbreviations; methods, processes, and concepts used in creating and performing music
  • winds:
    • fingerings/slide positions, including alternate and trill fingering
    • intonation
    • articulation (e.g., tonguing, multiple tonguing)
    • ornamentation (e.g., trills, glissando, grace notes)
    • embouchure
    • breath control
    • tone quality (including vibrato)
    • use of mutes
  • percussion:
    • stick, mallet, beater, and brush technique
    • hand-drumming technique
    • pitched percussion technique
    • articulation
    • fills, shots, tone quality, intonation
  • keyboard:
    • articulation: techniques that use touch or pedals to alter the transitions between notes (e.g., staccato, legato, phrasing, use of pedals)
    • fingering and chording technique
    • chord voicing
    • comping technique: chords, rhythms, and patterns played to accompany an improvised solo or melody (e.g., ii-V-I)
    • keyboard instrumentation: keyboard alone or with bass and/or guitar
    • blend and balance: the use of relative volume and tonal techniques to highlight certain instruments or create a homogeneous timbre (e.g., accompaniment versus solo technique)
  • orchestral strings:
    • left-hand technique (e.g., vibrato, double-stopping, triple-stopping, shifting)
    • finger pattern profiles
    • bowing technique (e.g., detaché, martelé, spiccato)
    • pizzicato
    • intonation
    • tone quality
    • harmonics
  • guitar:
    • chord playing (open and arpeggiated chords)
    • single note playing
    • picking, fingering, strumming, hand positions
    • articulation: techniques affecting transitions between notes (e.g., legato, staccato, slurs, damping, bends, hammer-ons)
    • intonation
    • tone quality: techniques that impact timbre or the overall sound of the instrument
    • voicings: the distribution or vertical arrangement of notes in a chord (e.g., rootless, R37, R73)
    • acoustic versus electric guitar technique
    • rhythm guitar patterns and accompaniment techniques
    • single-line melody reading, tablature, modes
  • creative processes: the means by which an artistic work (in dance, drama, music, or visual arts) is made; includes multiple processes, such as exploration, selection, combination, refinement, reflection, and connection
  • history: the influences across time of social, cultural, historical, political, and personal context on musical works; includes the influences of historical and contemporary societies on musical works
  • cultural appropriation: use of a cultural motif, theme, “voice,” image, knowledge, story, song, or drama, shared without permission or without appropriate context or in a way that may misrepresent the real experience of the people from whose culture it is drawn
Do Not Regenerate Nodes
Big Ideas FR: 
L’expression individuelle et collective est ancrée dans l’histoire, la culture et la communauté.
Évoluer en tant que musicien demande de la persévérance, de l’endurance et de la réflexion.
La musique est un processus qui repose sur l’interaction des sens.
L’expérience esthétique a le pouvoir de transformer notre façon de penser et ce que nous ressentons.
La musique offre des manières uniques d’explorer l’identité et le sentiment d’appartenance.
Big Ideas Elaborations FR: 
  • expérience esthétique : réactions sensorielles, cognitives ou émotionnelles aux œuvres d’art
Explorer et créer
  • Jouer dans des concerts de grands ensembles, de petits ensembles et en solo
  • Exprimer du sens, des intentions et des émotions par la musique
  • Improviser et prendre des risques créatifs en musique
  • Étudier et interpréter des pièces dans divers genres et styles de musique
  • Explorer divers contextes, dont le temps et le lieu, et leur influence sur les œuvres musicales
  • Développer et perfectionner ses compétences techniques et ses qualités d’expression
  • Explorer de la musique qui reflète son regard personnel, son vécu et ses valeurs
Raisonner et réfléchir
  • Décrire et analyser, en se servant du vocabulaire propre à la musique, comment le musicien se sert de la technique, de la technologie et de l’environnement lorsqu’il compose ou interprète de la musique
  • Réfléchir sur ses expériences des répétitions et des concerts et sur ses progrès en musique
  • Considérer la fonction de sa voix dans un ensemble
  • Analyser des styles de musique pour prendre des décisions musicales éclairées
Communiquer et documenter
  • Documenter et faire partager des pièces et expériences musicales dans divers contextes
  • Recevoir et mettre en pratique des commentaires constructifs
  • Se servir du vocabulaire propre au domaine pour communiquer des idées
  • Exprimer son regard personnel, son identité culturelle et sa perspective dans l’étude de la musique solo et d’ensemble et son interprétation
  • Faire preuve de respect pour soi-même, les autres et le public
  • Se servir de la musique pour aborder des questions sociales ou universelles et pour y réagir
Faire des liens et développer
  • Faire preuve de la responsabilité individuelle et sociale associée à la création et à l’interprétation d’œuvres musicales ainsi qu’à la réaction à ces œuvres
  • Établir des rapports avec d’autres à l’échelle locale, régionale et mondiale au moyen de la musique
  • Se servir de connaissances techniques et de l’observation contextuelle pour prendre des décisions musicales
  • Faire preuve d’une conduite appropriée en ce qui concerne l’utilisation, l’entretien et la maintenance des instruments et de l’équipement
  • Veiller à s’échauffer et à travailler son instrument de manière appropriée de manière à éviter les blessures liées à la pratique musicale
Curricular Competencies Elaborations FR: 
  • grands ensembles : ensembles dans lesquels plusieurs musiciens jouent la même partition (p. ex. chorale de concert, orchestre d’harmonie, orchestre de jazz, orchestre à cordes ou symphonique, ensemble de guitares)
  • petits ensembles : ensembles dans lesquels les musiciens sont seuls à jouer leur partition ou la jouent avec quelques autres (p. ex. groupe de rock ou d’un autre genre contemporain, petit ensemble de jazz, quintette de cuivres, quatuor à cordes, chœur de chambre, ensemble de jazz vocal)
  • Improviser : composer ou ornementer spontanément des mélodies, phrases ou extraits musicaux; l’improvisation est un véhicule pour le raisonnement de haut niveau, la pensée créatrice et la résolution de problèmes par divers moyens
  • risques créatifs : consistent à faire un choix éclairé pour accomplir quelque chose dans un contexte où des résultats inattendus sont acceptables et offrent des occasions d’apprentissage
  • divers contextes : par exemple, contexte personnel, social, culturel, environnemental ou historique
  • lieu : tout environnement, localité ou contexte dans lequel les gens interagissent pour apprendre, se créer une mémoire collective, réfléchir sur l’histoire, vivre la culture et établir une identité; les liens existants entre les personnes et les lieux constituent la base des perspectives autochtones sur le monde
  • vocabulaire propre à la musique : vocabulaire, terminologie et méthodes de communication non verbales porteurs de sens en musique
  • Documenter : réaliser des activités qui aident les élèves à réfléchir sur leurs apprentissages (p. ex. dessiner, peindre, tenir un journal, prendre des photos, réaliser des clips vidéo ou des enregistrements sonores, réaliser de nouvelles œuvres, constituer un portfolio)
  • regard personnel : forme d’expression qui manifeste la personnalité, la perspective ou la vision du monde d’une personne
  • réagir : réaliser des activités allant de la réflexion à l’action
  • maintenance :  soins appropriés – inspection, diagnostic et réparations de base – desinstruments et de l’équipement
  • blessures liées à la pratique musicale :par exemple, blessures dues à des gestes répétitifs, forçage vocal et autres problèmes de la santé de la gorge et de l’oreille
  • Éléments, principes, vocabulaire, symboles et théorie de la musique
  • Techniques propres à des instruments ou à des familles d’instruments dont :
    • les instruments à vent
    • les instruments à percussion
    • les instruments à clavier
    • les instruments à cordes de l’orchestre
    • la guitare
      Remarque : L’élève est seulement tenu de connaître les techniques associées à l’instrument (ou aux instruments) dont il joue.
  • Compétences techniques, stratégies et technologies
  • Démarche de création
  • Mouvements, sons, images et formes
  • Rôle de l’interprète, du public et du lieu de spectacle
  • Visions du monde traditionnelles et contemporaines des peuples autochtones et perspectives interculturelles véhiculées par la musique
  • Histoire de divers genres musicaux
  • Considérations éthiques concernant l’appropriation culturelle et le plagiat
content elaborations fr: 
  • Éléments, principes, vocabulaire, symboles et théorie de la musique : mesure, durée, rythme, nuances, harmonie, timbre, tonalité, instrumentation, notation, hauteur tonale, texture, registre, termes en italien et en d’autres langues, symboles d’expression, abréviations; méthodes, procédés et concepts utilisés dans la création et l’interprétation de la musique.
  • instruments à vent :
    • doigtés ou positions de la coulisse du trombone, variantes de doigtés et réalisation des trilles
    • justesse
    • articulation (p. ex. coup de langue, double ou triple coup de langue)
    • ornementation (p. ex. trilles, glissandi, appogiatures)
    • embouchure
    • maîtrise du souffle
    • qualité du son (y compris le vibrato)
    • utilisation de sourdines
  • instruments à percussion :
    • technique d’utilisation des baguettes, maillets, mailloches et balais
    • techniques de percussion à main
    • techniques d’instruments à percussion à sons déterminés
    • articulation
    • transitions (« fills »), coups sur le cercle (« rim shots »), qualité du son, intonation
  • instruments à clavier :
    • articulation : techniques d’utilisation de la pression sur les touches ou de pédales pour altérer l’articulation des sons (p. ex. staccato, legato, phrasé, utilisation des pédales)
    • doigtés et techniques de jeu des accords
    • disposition des accords (renversements)
    • technique d’accompagnement en jazz : accords, rythmes et motifs répétés joués pour accompagner un solo improvisé ou une mélodie (p. ex. ii-V-I)
    • instrumentation : instrument à clavier seul, avec basse, avec guitare ou avec basse et guitare
    • équilibre et son d’ensemble : utilisation d’intensités sonores relatives et de techniques de production sonore pour mettre en valeur certaines voix ou se fondre en un timbre homogène (p. ex. rôle d’accompagnement par opposition au rôle de soliste)
  • instruments à cordes de l’orchestre :
    • technique de la main gauche (p. ex. vibrato, doubles cordes, triples cordes, démanché)
    • motifs de doigtés
    • technique d’archet (p. ex. détaché, martelé, spiccato)
    • pizzicato
    • justesse
    • qualité du son
    • harmoniques
  • guitare :
    • jeu des accords (accords ouverts et arpégés)
    • jeu mélodique (une note à la fois)
    • jeu avec plectre, pincement, battement, positions de la main
    • articulation : techniques affectant la transition entre les notes (p. ex. legato, staccato, notes liées, étouffement, tiré [« bend »], lié ascendant [« hammer-on »])
    • justesse
    • qualité du son : techniques qui ont une incidence sur le timbre ou sur le son global de l’instrument
    • disposition des accords : distribution des notes d’un accord ou manière dont elles sont disposées verticalement (p. ex. sans fondamentale, accords de septième sans quinte)
    • techniques comparées de la guitare acoustique et de la guitare électrique
    • motifs et techniques d’accompagnement de la guitare d’accompagnement
    • lecture de mélodies, tablatures, modes
  • Démarche de création : ensemble des moyens à l’aide desquels une œuvre artistique (en danse, en art dramatique, en musique ou en arts visuels) est conçue; comprend des procédés multiples comme l’exploration, la sélection, l’agencement, le peaufinage, la réflexion et l’établissement de liens
  • Histoire : influences, au fil du temps, des contextes social, culturel, historique, politique et personnel sur les œuvres musicales, y compris les influences des sociétés anciennes et contemporaines sur les œuvres
  • appropriation culturelle : utilisation de motifs, de thèmes, de voix, d’images, de connaissances, de récits, de chansons ou d’œuvres dramatiques ou d’autres manifestations de nature culturelle sans autorisation, dans un contexte inapproprié ou dénaturant l’expérience vécue par les personnes appartenant à la culture
PDF Only: 
Curriculum Status: 
Has French Translation: 
(includes Concert Band 10, Orchestra 10, Jazz Band 10, Guitar 10)
(englobe Orchestre d’harmonie 10, Orchestre 10, Orchestre de jazz 10 et Guitare 10)