Éducation artistique_Introduction

Éducation artistique

Introduction

Le nouveau programme d’études d’éducation artistique vise à stimuler l’acquisition par les élèves d’habitudes artistiques par la participation engagée à l’apprentissage artistique. Il comprend un programme général sur les arts ainsi que des programmes distincts pour les quatre disciplines essentielles, soit la danse, l’art dramatique, la musique et les arts visuels, qui portent sur la terminologie, les activités et les expériences propres à chacune des disciplines.

À signaler que, dans tout le programme d’études d’éducation artistique, le terme « artiste » est utilisé de manière inclusive pour désigner toute personne qui crée une œuvre, peu importe la discipline artistique (soit les danseurs, les acteurs, les musiciens et les artistes visuels). Dans ce contexte, la désignation vise aussi les élèves. De même, par « œuvres d’art », on entend les résultats des processus de création dans chacune des quatre disciplines.

Caractéristiques du nouveau programme d’études d’éducation artistique 

Le nouveau programme d’études fait la promotion des arts comme moyen de s’exprimer et de comprendre l’identité, et aussi de créer un lien avec les artistes, les processus artistiques, les œuvres d’art et l’apprentissage de l’art dans sa propre collectivité. 

Souplesse de l’enseignement et de l’apprentissage

La terminologie et la conception du programme d’études donnent au personnel enseignant toute la latitude pour enseigner n’importe laquelle des quatre disciplines essentielles. Grâce à la structure unifiée, le personnel enseignant a la possibilité d’offrir un enseignement qui combine deux disciplines ou plus. Cette souplesse permet de faire des adaptations en fonction tant de la diversité des structures des programmes et des différents milieux scolaires de la province que de l’éventail des intérêts des élèves pour l’approfondissement ou la diversification de l’apprentissage des arts.

Un programme d’études unifié 

Le programme d’études unifié de la maternelle à la 8e année donne au personnel enseignant la possibilité d’adopter des méthodes d’enseignement intégrées sans avoir à respecter de priorité ni de préférence pour un enseignement interdisciplinaire ou spécifique à chaque discipline. Pour la 9e année, il existe à la fois un programme d’études unifié et des programmes propres à chaque discipline, ce qui procure une grande souplesse et permet aux élèves de choisir selon les intérêts qu’ils ont ou qu’ils développent. 

Options pour l’approfondissement

Se basant sur le programme d’études de la maternelle à la 9e année, les programmes pour la 10e, la 11e et la 12e année apportent une structure de base pour les élèves qui ont envie d’approfondir leurs études dans une ou plusieurs des quatre disciplines essentielles. 

Apprentissage durant toute la vie

Le programme d’études est basé sur le principe qu’en devenant des citoyens instruits, tous les élèves peuvent développer une conscience artistique dans tous les aspects de leur vie quotidienne, soit durant leurs études et par la suite. Le programme d’études fait le lien entre les compétences, les processus et les connaissances cultivées durant l’apprentissage des arts par les élèves et les possibilités d’application. 

Principes d’apprentissage des peuples autochtones 

Le programme d’études, qui intègre le savoir autochtone et les principes d’apprentissage des peuples autochtones, fait la promotion d’un engagement éclairé et respectueux à l’égard des arts, des artistes et des visions du monde des peuples autochtones. 

Apprentissage créatif et collaboratif

Bien que les contextes d’apprentissage collaboratifs traditionnels de l’interprétation (p. ex. chorale de concert, orchestre, théâtre et compagnie de danse) continuent d’avoir leur place, le programme d’études permet aussi d’apporter des changements novateurs et dynamiques au contenu en fonction de l’évolution des intérêts des élèves. Les liens qui sont faits entre les années scolaires respectent la nature « axée sur les processus » de l’exploration, de l’investigation et de la création en arts pour amener les élèves en arts à faire la transition du jeu exploratoire à des expériences d’improvisation et d’innovation. Le programme d’études tient donc compte du fait qu’il existe de nombreux processus et parcours permettant de réaliser son potentiel créatif.

Conception du programme d’études d’éducation artistique

Comme dans tous les domaines d’apprentissage, les concepts et compétences clés du nouveau programme d’études d’éducation artistique sont organisés selon le modèle d’apprentissage Savoir-Faire-Comprendre. Ils s’inscrivent dans le contenu (Savoir), les compétences disciplinaires (Faire) et les grandes idées (Comprendre). Pour en savoir plus sur ce modèle, rendez-vous au https://curriculum.gov.bc.ca/fr.

Contenu

Les concepts, éléments, processus et stratégies clés de chaque discipline sont inclus dans le contenu des normes d’apprentissage selon une progression mûrement réfléchie de ce que les élèves sont censés savoir. Cette progression vise à faire en sorte que les élèves prennent bien conscience de la présence, de l’utilisation et de la capacité de chaque élément pendant plusieurs années d’études, avec un niveau de raffinement et de profondeur de plus en plus prononcé.

Compétences disciplinaires

Les compétences disciplinaires indiquent ce que les élèves devraient être capables de faire avec les connaissances acquises. Pour chaque année scolaire, chaque sujet du contenu figurant dans les normes d’apprentissage peut être appliqué à plusieurs compétences disciplinaires. Pour toutes les années d’études, le programme d’études d’éducation artistique favorise une progression des études qui incite les élèves à découvrir leur potentiel artistique et créatif dans le cadre d’activités associées à la danse, à l’art dramatique, à la musique et aux arts visuels. Les normes d’apprentissage, étayées par la raison d’être et les objectifs de l’éducation artistique, contribuent au développement de citoyens instruits.

Les compétences disciplinaires, qui sont directement liées aux compétences essentielles, sont organisées en fonction des habitudes artistiques et incitent les élèves, dans les cas où cela est approprié en fonction de leur stade de développement, à faire ce qui suit :

  • explorer en faisant preuve de curiosité artistique;
  • créer dans un esprit artistique;
  • réfléchir en tenant compte des considérations et des possibilités;
  • réfléchir aux choix possibles et imaginer des occasions;
  • communiquer des idées et des perspectives;
  • documenter le développement artistique et l’évolution de la compréhension; 
  • développer des liens entre eux et avec les artistes, les œuvres d’art et le monde entier;
  • accroître leur capacité artistique par la persévérance.

Grandes idées

Les grandes idées sont les énoncés et principes généraux qui déterminent à la fois l’enseignement et l’apprentissage. Elles représentent ce que les élèves doivent comprendre et retirer du programme d’études, soit l’apprentissage approfondi. Chaque grande idée dans le programme d’études d’éducation artistique peut être explorée par l’apprentissage d’une ou de plusieurs des quatre disciplines essentielles, soit la danse, l’art dramatique, la musique et les arts visuels. Les grandes idées doivent favoriser chez les élèves l’acquisition d’une aptitude de plus en plus raffinée de faire des liens entre les habitudes artistiques.
 
Les exemples de grandes idées ci-dessous illustrent comment le programme d’études avance avec les élèves et comment la matière s’approfondit et se diversifie au fil du temps. 

 

 

M

3e année

6e année

8e année

10e année

 Grandes idées

Les arts permettent de tisser des liens et de partager des idées.

Les arts permettent de mettre en relation ses expériences avec celles des autres.

Les arts permettent de développer de l’empathie pour les perspectives et les expériences des autres.

Les artistes remettent souvent en question le statu quo et nous ouvrent à de nouvelles expériences et façons de voir les choses.

La participation active aux arts est indispensable pour développer la culture, exprimer et explorer l’identité personnelle et en apprendre plus sur l’expérience de l’être humain.

Approfondissements

Des approfondissements sont prévus pour une bonne part des normes d’apprentissage pour le contenu et les compétences disciplinaires dans le programme d’études d’éducation artistique. Ils sont sous forme d’hyperliens et contiennent des définitions, des précisions, des exemples et d’autres détails sur les sujets ou les compétences pour chaque année scolaire. Les approfondissements ne sont pas des éléments obligatoires du programme d’études. Ils ont plutôt été inclus simplement pour donner plus de précisions et de soutien au personnel enseignant. Ils peuvent être particulièrement utiles pour les personnes qui commencent à enseigner l’éducation artistique.

Processus de création

Les idées alimentent les processus de création dans la vie de tous les jours. Une idée peut être à l’origine d’un nouveau projet ou de l’amélioration d’un projet déjà en cours. Cela est vrai pour tous les domaines d’apprentissage, même si la créativité est le plus souvent étroitement liée à l’apprentissage des arts.

Le nouveau programme d’études d’éducation artistique propose une nouvelle façon d’aborder les processus de création. Au lieu de suivre un processus séquentiel unique, on utilise des processus multiples composés de phases d’apprentissage et de perfectionnement qui favorisent une réflexion de qualité et le développement d’élèves créatifs dans n’importe quel domaine d’apprentissage. Les quatre phases des processus de création sont définies ci-dessous. Même si l’ordre indiqué ici n’est pas toujours celui qui est suivi, chaque phase fait toujours partie du processus global.

La compétence essentielle qu’est la réflexion créative (site en anglais seulement) prend forme dans le cadre de ce modèle, qui transcende la terminologie propre à une discipline et favorise l’apprentissage actif, la métacognition et les compétences transférables. Le modèle amène à se poser des questions qui suscitent une investigation dans la création de n’importe quel type de projet ou démonstration d’apprentissage (p. ex. rédaction, présentation, interprétation ou œuvre d’art). Ces questions incitent les élèves à réaliser des activités de recherche et d’observation les aidant à développer la conscience de soi et l’efficacité dans le cadre d’un apprentissage indépendant ou collaboratif. Les questions proposées sont contenues dans un document de soutien pédagogique intitulé Connecting, Creating, Presenting,

Creative Thinking Process

and Responding in Arts, que vous trouverez au www.curriculum.gov.bc.ca/curriculum/arts-education/ (en anglais seulement).

Explorer et examiner

Pour se préparer à être créatif, il faut être prêt à réfléchir, à apprendre et à échanger des idées. Les élèves apprennent sur leur propre réflexion et leurs capacités tout en explorant leur potentiel et ils développent une vision du succès créatif.

Sélectionner et combiner

Les connaissances existantes sont un atout d’une importance primordiale pour associer les compétences, les éléments et les techniques avec un projet spécifique. Beaucoup de choix devront être faits durant l’élaboration du projet, et chacun sera basé sur l’impact des compétences, des éléments et des techniques employés séparément ou ensemble. Des questions incitatives servant à l’investigation peuvent guider les décisions et développer des compétences d’évaluation en cours de projet.

Raffiner et réfléchir

Il faut du temps pour un projet et il faut aussi avoir la possibilité de l’évaluer pour déterminer quels sont les liens avec l’intention à son origine. Pour procéder à cette évaluation, il importe d’examiner les choix précédents et de saisir comment ces choix influencent le projet. Cela peut parfois obliger à revoir certaines décisions, à demander l’opinion d’autres personnes ou à répéter la tâche. En procédant ainsi, on peut faire un travail fiable et raffiné.

Réfléchir et faire des liens 

Il peut être exaltant de mener un projet de création à terme, mais l’apprentissage ne s’arrête pas là. Tout projet, exercice ou expérience de création contribue aux connaissances, améliore la confiance dans ses décisions et permet à l’élève de raffiner sa façon d’aborder les processus de création. De plus, en réfléchissant à une expérience, l’élève peut avoir des idées pour un nouveau projet qui lui permettra d’apprendre encore plus. En faisant des liens avec l’apprentissage précédent, il est plus facile d’imaginer ce qu’on pourrait faire de plus.

Considérations importantes

Sécurité

Pour assurer la sécurité en milieu d’apprentissage, le personnel enseignant devrait se poser les questions suivantes avant, pendant et après une activité : 

  • Les élèves connaissent ils les règles et les procédures établies en matière de sécurité (p. ex. la protection de l’ouïe, les précautions liées à l’hygiène pour le partage d’instruments ou de costumes, l’échauffement et la récupération, les précautions pour préserver sa voix et l’utilisation sécuritaire du matériel et des technologies)?
  • Les directives ont elles été données progressivement pour assurer la sécurité?
  • Les élèves comprennent ils bien les directives?
  • L’activité est elle appropriée pour tous les élèves, compte tenu de leur intérêt, de leur niveau de confiance et de leurs capacités?
  • Les élèves sont ils bien supervisés?
  • Les installations, l’équipement et les outils technologiques sont ils en bon état?
Le personnel enseignant est aussi invité à consulter des guides de référence sur la sécurité professionnelle, le Système d’information sur les matières dangereuses utilisées au travail et d’autres ressources d’orientation similaires favorisant  utilisation sécuritaire du matériel et de l’équipement dans le milieu d’apprentissage. Vous trouverez des exemples de documents de référence sur la sécurité au www.actsafe.ca (en anglais seulement). 

En plus d’assurer la sécurité physique des élèves, les enseignants doivent également assurer le bien être émotif des élèves en élaborant des directives pour la danse, l’art dramatique, la musique et les arts visuels. Ils doivent notamment se montrer sensibles à chaque élève, et être prêts à réagir à des situations inhabituelles et à employer des stratégies de création pour intervenir en cas de rivalité, de stress, de peur de l’échec, de trac, etc. Ils doivent en outre être conscients que certaines activités peuvent engendrer un stress émotionnel et psychologique chez les élèves (p. ex. bander les yeux, travailler dans des endroits clos, présenter un numéro en solo, avoir des contacts corporels ou faire partie de groupes hétérogènes) et pouvoir offrir des options de substitution au besoin.

Collaborer avec la communauté artistique

La nature générale des arts selon la perspective adoptée dans le nouveau programme d’études d’éducation artistique exige que les élèves apprennent en expérimentant diverses formes d’art, et il est possible d’enrichir tous les aspects de l’apprentissage artistique en mettant à contribution des artistes de la collectivité. Il est donc recommandé que le personnel enseignant procure ce genre d’expériences aux élèves dans la mesure du possible, quand les circonstances s’y prêtent.

Pour l’enseignement de formes d’art et de contextes propres à une culture, il est particulièrement important de mettre à contribution des experts de la collectivité de manière à éviter de choquer ou encore de s’approprier la culture ou d’en donner une fausse représentation. L’appropriation culturelle inclut l’utilisation de motifs, thèmes, voix, images, connaissances, histoires, chansons ou œuvres dramatiques sans autorisation, dans un contexte inapproprié ou en dénaturant l’expérience vécue par les personnes appartenant à la culture d’origine. 

Les artistes de la collectivité peuvent aussi servir de mentors et ainsi faire des commentaires et communiquer leur perspective en ce qui concerne le travail des élèves.

En travaillant avec des artistes professionnels ou des enseignants spécialisés en arts invités en classe, le personnel enseignant peut envisager l’approche qui suit :

  • Se renseigner sur les politiques de l’école et du conseil ou de l’autorité scolaire concernant l’invitation de personnes en classe (p. ex. vérification des références).
  • Rencontrer l’artiste ou l’enseignant invité à l’avance pour :
    • discuter des attentes appropriées sur le plan de l’apprentissage;
    • déterminer à quelles parties du programme d’études sa participation en classe contribuera;
    • prévoir l’utilisation de matériel approprié en fonction de l’âge des élèves;
    • déterminer les besoins de la personne pendant qu’elle sera en contact avec les élèves (p. ex. espace, technologie, équipement et matériel).
  • Préparer les élèves à la rencontre (p. ex. discuter des attentes relatives au processus et à la courtoisie et fournir les renseignements généraux utiles).
  • Faire un retour avec les élèves et les invités après la séance ou la présentation.
Une autre manière d’enrichir le programme d’études d’éducation artistique est de donner aux élèves des possibilités d’agir eux-mêmes comme des artistes créatifs dans les disciplines de la danse, de l’art dramatique, de la musique et des arts visuels avec ou pour leurs pairs, des élèves plus jeunes et l’ensemble de la collectivité. Lorsque les élèves jouent les rôles de chorégraphes, de dramaturges, de chefs d’orchestre ou d’enseignants en arts visuels, il faut les encourager à se poser les questions suivantes :
  • Qu’est-ce que les participants sont normalement capables d’accomplir selon leur année scolaire (en fonction de leur expérience et de leur stade de développement physique, cognitif et psychosocial)?
  • Quels sont les facteurs à garder à l’esprit pour assurer la sécurité?
  • Quelles activités d’échauffement et de récupération doivent être incorporées?
  • Est il approprié de tenir l’activité à l’école?
  • Quelle est la meilleure manière d’assurer la réalisation et le bon déroulement des différentes parties de l’activité?
  • Quels sont les critères de succès?
De nombreuses ressources de la collectivité et du Web peuvent être utilisées afin d’élargir la gamme des possibilités d’apprentissage dans le programme d’études d’éducation artistique. Les principales sont les suivantes :
 
  • les studios professionnels, les troupes d’artistes, les galeries d’art et les associations;
  • les départements des arts des écoles secondaires, des collèges et des universités;
  • les bibliothèques publiques et celles des écoles;
  • les associations d’enseignants en arts;
  • les conseils communautaires, provinciaux et nationaux des arts;
  • les autorités ayant pour mission de réglementer les arts ou d’établir des politiques à leur égard;
  • les artistes et les troupes d’artistes des peuples autochtones;
  • les associations culturelles, les artistes et les troupes d’artistes;
  • les programmes d’éducation permanente;
  • les centres communautaires et récréatifs;
  • les périodiques et publications en arts;
  • les stations locales de radio et de télévision (pour l’accès à de l’équipement audiovisuel)
  • les organisations de télédiffusion des arts;
  • les festivals artistiques et culturels;
  • les organismes de défense d’intérêts.

 

Last updated: April 28, 2017